PAUL BERNEWITZ

“I Hear a Rhapsody” – Eight rhapsodic parcours

Can songs from the Great American Songbook that were released 50 to 80 years ago still inspire us today? Listening to Paul Bernewitz's emotional debut album we know: yes, they can!

Paul Bernewitz's arrangements create a new genre. They are not merely "arrangements'' – as so many versions of "Someday My Prince Will Come" and other world-famous songs – but new narratives, continuations, little coal mines, parcours: struggling for free space where the pre-determined is running its course, and yearning for something valid where emptiness and irrelevance are gaining the upper hand.

Paul Bernewitz has assembled a band in Nuremberg in 2020 that brings together up-and-coming individuals from the southern German jazz scene to bring his music to life. With the poetically chiseling drummer Jonas Sorgenfrei, the wide-awake bassist Amelie-Marie Richarz, the agile saxophonists Paul Scheugenpflug and Michael Reiß and the charismatic singer Regina Heiß, he assembles excellent artists by his side. The ensemble grows together musically without it "getting sticky" – hence the transparent, many-limbed sound. They remain, although all part of the grand narrative, on their coordinates to tell about their perspectives. The band demands, compels, but also quickly returns to its orbit, seeking its vibe there: A good storyteller does not impose.

The joy of playing is paired with an astonishing maturity and depth of statement. Everything seems rooted in the insight of wanting to reflect ambivalences in the music. The result is a subtly probing, often urgent, brooding flow – pure anti-kitsch. Contemporary jazz can also sound like this.

“I Hear a Rhapsody” – Eight rhapsodic parcours

Can songs from the Great American Songbook that were released 50 to 80 years ago still inspire us today? Listening to Paul Bernewitz's emotional debut album we know: yes, they can!

Paul Bernewitz's arrangements create a new genre. They are not merely "arrangements'' – as so many versions of "Someday My Prince Will Come" and other world-famous songs – but new narratives, continuations, little coal mines, parcours: struggling for free space where the pre-determined is running its course, and yearning for something valid where emptiness and irrelevance are gaining the upper hand.

Paul Bernewitz has assembled a band in Nuremberg in 2020 that brings together up-and-coming individuals from the southern German jazz scene to bring his music to life. With the poetically chiseling drummer Jonas Sorgenfrei, the wide-awake bassist Amelie-Marie Richarz, the agile saxophonists Paul Scheugenpflug and Michael Reiß and the charismatic singer Regina Heiß, he assembles excellent artists by his side. The ensemble grows together musically without it "getting sticky" – hence the transparent, many-limbed sound. They remain, although all part of the grand narrative, on their coordinates to tell about their perspectives. The band demands, compels, but also quickly returns to its orbit, seeking its vibe there: A good storyteller does not impose.

The joy of playing is paired with an astonishing maturity and depth of statement. Everything seems rooted in the insight of wanting to reflect ambivalences in the music. The result is a subtly probing, often urgent, brooding flow – pure anti-kitsch. Contemporary jazz can also sound like this.

There is "Take Seven", a rhapsodic "Take Five", which goes into the variation of the variation and yet always wrestles with the "difficulty of the plain" (Brecht) between grounded work on the life-sustaining functions and unexpected Daedalusian flights of fancy. An euphoria that almost tips over into eccentricity, because the greatest treasures are not materializable, but – we must experience them. And although life may represent a repetition chain of the eternal same, there is a way not to fall prey to madness: variation. It is the way out.

"I Hear A Rhapsody" is no longer a confession dripping with kitsch about what world-spanning feelings of happiness the sound of a voice lovingly turned towards us may well trigger in us. It seems reinterpreted to the contrary: nervous, alarmed, abysmal.

From an intimate piano prelude arises the Bacharach ballad "Alfie", which touches us immediately because it conjures up how it could be, but is not. This dream, this vision, this intense belief in some nameless greater thing, addressed into a mute environment to a beloved absent person, ultimately disintegrates into a vision-absorbing reality in which perpetuating memories must be parceled out and one's own abandonment and loneliness can only be assuaged by music.

At the center of the album is "Someday My Prince Will Come", which, consumed by longing, borders on schizophrenia in oppressive stonewalling (owing to the tendrils of cantabile overdub), a song in which two realities compete, broken down only from a trembling as well as wing-beating drum solo, which for a few moments amounts to a de-demonization of the entanglement. However, it doesn't take long for the two realities to entangle again (but this time with pleasure in the entanglement) and everything culminates in fateful ecstasy: a state of pure loss of control, diffuse euphoria.

It seems like a silent patching up, like dancing flames, when a circling motive spins out of the initial, at first meager texture, it peels itself out like the physical equation of a group dynamic – with constantly changing variables. It takes a while until the small power struggles are fought out. Only then the illusionless melody appears in the tenor saxophone and is met by approval – a conversation begins. We hear "It Ain't Necessarily So", a song that isn't just a cheeky exposition of the Bible as a nice collection of fairy tales, but can also be understood as a parable of all our life lies with which we paper our existence. The arrangement deprives Gershwin's song of its 4/4 time foundation and shifts it to a 5/4 time, which is already broken up from the bridge onwards. What remains is a mosaic composed of the few things we declare to be truths in order to survive.

The impassable "Lady Bird" is full of figures and feints; they are collage-like alternations between public life, busyness and intimate inwardness, holding dialogues. In the solo part, the soprano saxophone and piano emerge as if from cages and chatter away offensively: playful, garrulous, silly, which, against the background of the working rhythm section, sounds like the caprices of card-playing songbirds. The show only comes to an end when it becomes clear that what was intended as apotheosis threatens to become apocalypse. How quickly it can end with us and how ghostly cataclysmic devastation would sound is illustrated by the final ruin chants of a handful of survivors.

The vivid narrative "Cherokee" reminds us that people from cultures foreign to us are only foreign to us and remain foreign because (in most cases) we do not want to engage with them. If we were to engage with them, we would probably be able to identify many similarities to us, discover commonalities and long for an exchange.

Henry Mancini's "Days Of Wine And Roses" closes the cycle: oceanic, fleeing, melancholic – a lament eaten up by melancholy and driven by the desire to start over again, differently.

Often the piano solo passages of the album are the most intimate, in which Paul Bernewitz says what he really wants to say. That for him music is perhaps the only remedy against the coldness of the world, that it is his greatest source of strength, his powerhouse of sound. He draws everything from it. With it he discusses everything. In it, he thinks, he is at home, wherever he is.

Why do these arrangements touch us so much? Because they seem to come from the heart and – go straight to the heart. What we communicate with the heart is true, is profound, ergo intimate. Intimacy means closeness and this is a prerequisite for what – If we give it to each other – Is an art form, perhaps the greatest.

It is not mountable, it is free, in flux, prone to failure, it can break, even – disappear.

Therefore, only music can be a haven for us.

“I Hear A Rhapsody” – Acht rhapsodische Parcours

Was können uns Songs aus dem Great American Songbook, die vor 50 bis 80 Jahren veröffentlicht wurden, heute noch geben? Nach dem Hören des emotionalen Debütalbums von Paul Bernewitz wissen wir es: Endlos viel. Paul Bernewitz‘ Arrangements sind wie ein neues Genre. Sie sind nicht bloß „Arrangements“ – wie es viele gibt von „Someday My Prince Will Come“ und anderen weltberühmten Songs –, es sind neue Erzählungen, Fortspinnungen, kleine Bergwerke, Parcours: die um Freiraum ringen, wo Vorbestimmtes abrollt, und Gültiges herbeisehnen, wo Leere und Belanglosigkeit die Oberhand gewinnen.

Paul Bernewitz hat 2020 in Nürnberg eine Band zusammengestellt, die aufstrebende Individuen der süddeutschen Jazzszene zusammenführt, um seine Musik zum Leben zu erwecken. Mit dem poetisch ziselierenden Schlagzeuger Jonas Sorgenfrei, der hellwachen, wie ein Anker sturmfesten Bassistin Amelie-Marie Richarz, den wendigen, aus der Seele sprechenden Saxophonisten Paul Scheugenpflug und Michael Reiß und der charismatischen Sängerin Regina Heiß weiß er ein hervorragend besetztes Ensemble an seiner Seite. Das Ensemble wächst musikalisch zusammen, ohne zu „verkleben“ – daher der transparente, vielgliedrige Klang. Sie bleiben, obwohl alle Teil der großen Erzählung, auf ihren Koordinaten, um von ihren Perspektiven zu berichten. Die Band fordert ein, zwingt, kehrt aber auch schnell wieder in ihren Orbit zurück, sucht dort ihre Schwingung: Kein guter Geschichtenerzähler drängt sich auf.

Spielfreude ist gepaart mit einer erstaunlichen Reife und Tiefe der Aussage. Alles scheint verwurzelt in der Einsicht, inhaltliche Ambivalenzen in der Musik spiegeln zu wollen. Ergebnis ist ein hintergründig tastender, oft drängender, grüblerischer Fluss – purer Anti-Kitsch. Auch so kann Contemporary Jazz klingen.

“I Hear A Rhapsody” – Acht rhapsodische Parcours

Was können uns Songs aus dem Great American Songbook, die vor 50 bis 80 Jahren veröffentlicht wurden, heute noch geben? Nach dem Hören des emotionalen Debütalbums von Paul Bernewitz wissen wir es: Endlos viel. Paul Bernewitz‘ Arrangements sind wie ein neues Genre. Sie sind nicht bloß „Arrangements“ – wie es viele gibt von „Someday My Prince Will Come“ und anderen weltberühmten Songs –, es sind neue Erzählungen, Fortspinnungen, kleine Bergwerke, Parcours: die um Freiraum ringen, wo Vorbestimmtes abrollt, und Gültiges herbeisehnen, wo Leere und Belanglosigkeit die Oberhand gewinnen.

Paul Bernewitz hat 2020 in Nürnberg eine Band zusammengestellt, die aufstrebende Individuen der süddeutschen Jazzszene zusammenführt, um seine Musik zum Leben zu erwecken. Mit dem poetisch ziselierenden Schlagzeuger Jonas Sorgenfrei, der hellwachen, wie ein Anker sturmfesten Bassistin Amelie-Marie Richarz, den wendigen, aus der Seele sprechenden Saxophonisten Paul Scheugenpflug und Michael Reiß und der charismatischen Sängerin Regina Heiß weiß er ein hervorragend besetztes Ensemble an seiner Seite. Das Ensemble wächst musikalisch zusammen, ohne zu „verkleben“ – daher der transparente, vielgliedrige Klang. Sie bleiben, obwohl alle Teil der großen Erzählung, auf ihren Koordinaten, um von ihren Perspektiven zu berichten. Die Band fordert ein, zwingt, kehrt aber auch schnell wieder in ihren Orbit zurück, sucht dort ihre Schwingung: Kein guter Geschichtenerzähler drängt sich auf.

Spielfreude ist gepaart mit einer erstaunlichen Reife und Tiefe der Aussage. Alles scheint verwurzelt in der Einsicht, inhaltliche Ambivalenzen in der Musik spiegeln zu wollen. Ergebnis ist ein hintergründig tastender, oft drängender, grüblerischer Fluss – purer Anti-Kitsch. Auch so kann Contemporary Jazz klingen.

„Take Seven“, ein rhapsodisches „Take Five“, das in die Variation der Variation geht und doch immer wieder mit den „Mühen der Ebene“ (Brecht) ringt: zwischen geerdetem Arbeiten an den lebenserhaltenden Funktionen und unerwarteten Dädalus’schen Höhenflügen. Eine Euphorie, die fast in Exzentrik kippt, weil die größten Schätze nicht materialisierbar sind, sondern – wir sie erfahren müssen. Und obwohl das Leben eine Wiederholungskette des ewig Gleichen darstellen mag, gibt es einen Weg, nicht dem Wahnsinn anheimzufallen: die Variation. Sie ist der Ausweg.

„I Hear A Rhapsody“ ist kein vor Kitsch triefendes Bekenntnis mehr darüber, welche weltumspannenden Glücksgefühle der Klang einer uns liebevoll zugewandten Stimme bei uns wohl auslösen mag. Es scheint umgedeutet bis ins Gegenteil: nervös, alarmiert, abgründig.

Aus einem intimen Klaviervorspiel ersteht die Bacharach-Ballade „Alfie“, die uns unmittelbar berührt, weil sie beschwört, wie es sein könnte, aber nicht ist. Dieser Traum, diese Vision, dieser intensive Glaube an etwas namenloses Größeres, hinein in eine stumme Umwelt an eine geliebte abwesende Person adressiert, zerfällt letztendlich in eine Visionen absorbierende Realität, in der weitervegetierende Erinnerungen einparzelliert werden müssen und die eigene Verlassenheit und Einsamkeit nur durch Musik gelindert werden kann.

Im Zentrum des Albums steht „Someday My Prince Will Come“, das, von Sehnsucht verzehrt, in beklemmender Gemauertheit an der Grenze zur Schizophrenie rangiert (was den Ranken des kantablen Overdub verschuldet ist), ein Lied, in dem zwei Realitäten konkurrieren, die erst aus einem zitternden wie flügelschlagenden Schlagzeugsolo heraus aufgegliedert werden, was für ein paar Augenblicke einer Entdämonisierung der Verstrickung gleichkommt. Allerdings dauert es nicht lange, bis sich die beiden Wirklichkeiten erneut verstricken (aber diesmal mit Lust an der Verstrickung) und alles in verhängnisvoller Ekstase kulminiert: ein Zustand puren Kontrollverlusts, diffuser Euphorie.

Es wirkt wie ein stummes Zusammenraufen, wie tanzende Flammen, wenn sich aus der anfänglichen, erst mageren Textur ein kreisendes Motiv herausspinnt, herausschält wie die physikalische Gleichung einer Gruppendynamik – mit ständig anderen Variablen. Bis die kleinen Machtkämpfe ausgetragen worden sind, vergeht eine Weile. Erst dann erscheint die illusionslose Melodie im Tenorsaxophon und trifft auf Zustimmung – ein Gespräch beginnt. Wir hören „It Ain‘t Necessarily So“, einen Song, der sich nicht allein darin erschöpft, die Bibel frech als nette Märchensammlung zu entlarven, sondern der auch als Parabel auf all unsere Lebenslügen verstanden werden kann, mit denen wir unser Dasein tapezieren. Das Arrangement entzieht Gershwins Song das 4/4-Takt-Fundament und verlagert ihn in einen 5/4-Takt, der schon ab der Bridge aufgebrochen wird. Was bleibt, ist ein Mosaik, das sich aus den wenigen Dingen zusammensetzt, welche wir zu Wahrheiten erklären, um zu überleben.

Das unwegsame „Lady Bird“ ist voller Figuren und Finten; es sind collageartige Wechsel zwischen öffentlicher Lebenswelt, Geschäftigkeit und intimer Innerlichkeit, Zwiesprache haltend. Im Soloteil treten Sopransaxophon und Klavier wie aus Käfigen und plappern offensiv drauf los: verspielt, geschwätzig, albern, was vor dem Hintergrund der arbeitenden Rhythmusgruppe so klingt wie Kapricen kartenspielender Singvögel. Das Theater hat erst dann ein Ende, als deutlich wird, dass das als Apotheose Gedachte zur Apokalypse zu werden droht. Wie schnell es einmal mit uns zuendegehen kann und wie gespenstisch kataklysmische Verwüstung klingen würde, illustrieren die finalen Ruinengesänge einer Handvoll Überlebender.

Die plastische Erzählung „Cherokee“ erinnert uns daran, dass Menschen aus uns fremden Kulturen uns nur fremd sind und fremd bleiben, weil wir uns (in den meisten Fällen) nicht mit ihnen beschäftigen wollen. Ließen wir uns auf sie ein, würden wir vermutlich viele Ähnlichkeiten zu uns feststellen können, Gemeinsamkeiten entdecken und einen Austausch herbeisehnen.

Den Reigen beschließt Henry Mancinis „Days Of Wine And Roses“: ozeanisch, fliehend, melancholisch – ein Lamento, das von Wehmut zerfressen und von Lust getrieben ist, noch einmal anders anzufangen.

Oft sind die Klavier-Solopassagen des Albums die intimsten, in denen Paul Bernewitz sagt, was er wirklich sagen will. Dass für ihn Musik gegen die Kälte der Welt vielleicht das einzige Heilmittel ist, dass sie seine größte Kraftquelle ist, sein Kraftwerk aus Klang. Aus ihr zieht er alles. Mit ihr bespricht er alles. In ihr denkt er, ist er zuhause, wo immer er sich befindet.

Warum berühren uns diese Arrangements so? Weil sie aus dem Herzen zu kommen scheinen und – direkt zu Herzen gehen. Was wir mit dem Herzen mitteilen, ist wahr, ist innig, ergo intim. Intimität bedeutet Nähe und diese ist Voraussetzung für das, was – wenn wir es einander schenken – eine Kunstform ist, vielleicht die größte.

Sie ist nicht montierbar, ist frei, im Fluss, störanfällig, kann zerbrechen, sogar – verschwinden.

Deshalb kann uns nur Musik ein Hafen sein.