Uli Kempendorff's Field

There’s no lack of good reasons to make noise. It might be riveting or even relieving. But noise is exalted, often brute, unfocused and imprecise. And noise passes. And then what? Maybe it’s better to be quiet and careful. Nobody has to close their ears. You can complain or brood, ponder your own thoughts, leave the noise behind. You can hear more clearly and understand more. The quiet can stay. It offers invitations. Distinctions can arise and be developed. Thoughts and reactions can be given space, but are not simply hung out to dry. They are fed like shy, watchful wild animals.  

Our present times are full of horrors, who could forget that. But a music that reacts to the present and wants to look closely doesn't have to shout. It is better to listen and gather what’s being said and done and how, and be prepared for what is about to come. In other words, for all possibilities.

In a quartet that has mastered the fine art of interlocking four worlds of thought and sound, everyone has everyone in front of their ears at every moment. Energy lurks everywhere. Incidentally, a lot of energy is used to channel force, to give it direction, character, a flow and concentrated swirls. There are quietly implied screams, explosions, peaks. They cover nothing. Every musician, every movement influences the way in which what the composer has written is shaped at every moment. A whole is created. And becomes audible when it is quiet.

Where do we go from here? Do we just carry on or do we reorganize ourselves? Or are we doing both?
In recent years, FIELD has not so much found its own sound as produced it. Everything has moved closer together and become a little quieter. The band works more contrapuntally than ever before and is carried by a careful agreement, by careful listening, by collective presence of mind. There is an agreement to work out what is important. It may be that, for a while, something different matters to everyone. FIELD is far removed from the playing model of a practiced and routine division of labour, where everyone always knows what needs to be done. This creates wide open spaces for the music. Many questions await.

Where to start? Ideally with a lament, a “Dirge”. There were philosophers who saw the origin of music in the spirit of lamentation, mourning and farewell. You don't have to share this idea, but at least ancient mythology knew the singer Orpheus, who was even able to make the hellhound Cerberus listen and almost managed to save Eurydice from Hades with his lament. This song must have been quite quiet. The fact that things went wrong for Orpheus in the end had nothing to do with the music.
Funeral songs are dedicated to the memory of specific people, but are also universal, like the feeling of grief itself. Uli Kempendorff, who wrote the song, was thinking of Carla Bley, who died at the end of 2023 and is not only missed by him. Others in the band were perhaps thinking of the Fluxus composer Henning Christiansen, whose grave can be found on the island of Møn, where the band recorded the album. “Dirge” comes in two versions. They show two ways of processing the material in the quartet and enclose the whole record like an open bracket.
“The Bronze Buckaroo” was a series of so-called race movies in the 1930s, in which Herb Jeffries played the black cowboy singer Bob Blake. Race movies were produced for an almost exclusively African-American audience and with an almost exclusively black cast. Henry Threadgill and Sonny Rollins are said to have enjoyed watching these films. Incidentally, there was also so-called race music. In 1956, Elvis Presley had a number one hit in the other, the white hit parade with “Hound Dog” by Jerry Leiber and Mike Stoller, which had previously been successful in the version by Big Mama Thornton. “The Bronze Buckaroo” changes tempo and mood several times, with Uli Kempendorff riding across the prairie as a free radical.
“Sehr nüchtern” provides further evidence of the agility and highly elastic dynamics that the quartet has developed together. An earlier version of the track can be found on the penultimate FIELD album “Heal The Rich”.
The international cargo shipping industry lost an average of one ship per week with over 100 gross register tons until 2022. Since then, the figures have fallen slightly, albeit not to a reassuring level. Most cargo ships are not designed to survive so-called rogue waves - and these waves are more common than previously thought. “A Ship A Week” explores the question of how it might feel when a small crew has to wait for help on an unmaneuverable ship. Play me the song of death ...
When the pacifist Mauricio Kagel composed “Ten Marches to Miss Victory” at the end of the 1970s, a military dictatorship was ruling in his home country of Argentina. Kagel had a clear and critical relationship with marching music: “Music can effectively implant itself in the minds of those who have to manage warheads,” he said. And the performance of all ten marches in succession, he said, should be “expressly avoided”. FIELD plays the second march, entitled: Allegro
This brings us to “Wartocracy”. This is a neologism. It indicates that we are currently experiencing a normalization of war and militarization of social discourse that was unimaginable until recently. The band handles the word with care. It illuminates and examines it from different angles. It finds the meaning disconcerting, perhaps even threatening. What is the point? The band reacts in counterpoint.
And what is this counterpoint all about? It's actually a word for a very old way of composing based on strict rules, in which independent voices work together, one after the other, around each other on the material. If you loosen the rules a little, things don't become less complex, but more free-spirited. FIELD has developed his own dialect in the great linguistic world of counterpoint: “Vernacular Counterpoint”.

Es fehlte nicht an guten Gründen, Lärm zu schlagen. Das wäre vielleicht aufregend oder sogar erleichternd. Aber Lärm ist exaltiert, oft brachial, unkonzentriert und ungenau. Lärm geht vorbei. Und dann? Am besten geht es leise zu. Niemand muss die Ohren verschließen. Man kann klagen, grübeln, eigenen Gedanken nachhängen, den Lärm hinter sich lassen. Man hört genauer und versteht mehr. Das Leise kann bleiben. Es macht Angebote. Unterschiede können entstehen und sich entwickeln. Gedanken und Reaktionen bekommen Raum, werden aber nicht einfach in zielloser Ruhe gelassen. Sie werden angefüttert wie scheue, wachsame Wildtiere.

Die Gegenwart ist voller Schrecken, wer könnte das vergessen. Musik, die darauf reagiert und hinsehen will, muss aber kein Geschrei machen. Besser, man hört zu und sammelt, was geäußert und getan wird und wie und ist auf das gefasst, was gleich kommen kann. Also auf alles Mögliche.

In einem Quartett, das die hohe Kunst beherrscht, vier Gedanken- und Klangwelten miteinander zu verzahnen, hat jeder jeden in jedem Augenblick vor Ohren. Überall lauert Energie. Viel Energie wird übrigens verwendet, um Energie zu kanalisieren, ihr Richtung, Charakter, einen Fluss und konzentrierte Wirbel zu geben. Es gibt leise angedeutete Schreie, Explosionen, Zuspitzungen. Sie überdecken nichts. Jeder Musiker, jede Regung beeinflusst in jedem Augenblick den Weg, auf dem das, was der Komponist geschrieben hat, gestaltet wird. Ein Ganzes entsteht. Es wird hörbar, wenn es leise genug ist.

Machen wir jetzt einfach weiter oder sortieren wir uns neu? Oder tun wir beides?
FIELD hat in den vergangenen Jahren einen eigenen Sound weniger gefunden als produziert. Alles ist näher aneinander gerückt und leiser geworden. Die Band arbeitet stärker kontrapunktisch als je zuvor und ist getragen von einem umsichtigen Einverständnis, von genauem Zuhören, von kollektiver Geistesgegenwart. Es gibt eine Übereinkunft, das herauszuarbeiten, worauf es ankommt. Kann sein, dass es eine Zeit lang für jeden auf etwas Anderes ankommt. Vom Spielmodell einer eingeübten und routinierten Arbeitsteilung, wo jeder stets weiß, was zu tun ist, ist FIELD weit entfernt. So entstehen für die Musik weite Freiheitsräume. In denen warten viele Fragen.

Womit anfangen? Am besten mit einem Klagelied. „Dirge“ ist eine Gattungsbezeichnung dafür. Es gab Philosophen, die den Ursprung der Musik im Geist der Klage, der Trauer, des Abschieds sahen. Man muss diese Idee nicht teilen, aber immerhin kannte die antike Mythologie den Sänger Orpheus, der sogar den Höllenhund Cerberus zum Zuhören bringen konnte und es fast geschafft hätte, mit seinem Klagegesang Eurydike aus dem Hades zu erlösen. Dieser Gesang muss ziemlich leise gewesen sein. Dass die Sache am Ende schief ging, lag nicht an der Musik.
Trauerlieder gelten dem Andenken bestimmter Menschen, sind aber zugleich universell, wie das Gefühl der Trauer selbst. Uli Kempendorff, der das Lied geschrieben hat, hat an Carla Bley gedacht, die Ende 2023 gestorben ist und nicht nur ihm fehlt. Andere in der Band dachten vielleicht an den Fluxus-Komponisten Henning Christiansen, dessen Grab auf der Insel Møn, wo die Band das Album aufgenommen hat, zu finden ist. „Dirge“ kommt in zwei Versionen vor. Sie zeigen zwei Wege, das Material im Quartett zu verarbeiten und umschließen das Ganze wie eine offene Klammer.
„The Bronze Buckaroo“ war eine Serie sogenannter race movies in den 1930-er Jahren, Herb Jeffries spielte darin den schwarzen Cowboy-Sänger Bob Blake. Race movies wurden für ein fast ausschließlich afroamerikanisches Publikum und mit fast ausschließlich schwarzer Besetzung produziert. Henry Threadgill und Sonny Rollins sollen sich diese Filme gern angeschaut haben. Übrigens gab es auch so genannte race music. 1956 hatte Elvis Presley mit „Hound Dog“ von Jerry Leiber und Mike Stoller, das zuvor in der Version von Big Mama Thornton erfolgreich gewesen war, einen Nummer-Eins-Hit in der anderen, der weißen Hitparade. „The Bronze Buckaroo“ wechselt entsprechend mehrfach Tempi und Stimmung, Uli Kempendorff reitet als freier Radikaler über die Prärie.
„Sehr nüchtern“ liefert einen weiteren Beleg für die Agilität und die hochelastische Dynamik, die das Quartett miteinander entwickelt hat. Eine frühere Version des Stücks findet sich auf dem vorletzten FIELD-Album „Heal The Rich“.
Jeweils ein Schiff pro Woche mit über 100 Bruttoregistertonnen hat das internationale Frachtschifffahrtswesen bis 2022 im Durchschnitt verloren. Seither sind die Zahlen leicht gesunken, wenn auch auf kein beruhigendes Maß. Die meisten Frachtschiffe sind nicht so konstruiert, dass sie so genannte Monsterwellen heil überstehen können – und diese Wellen sind häufiger als man bisher dachte. „A Ship A Week“ spürt der Frage nach, wie es sich anfühlen könnte, wenn eine kleine Besatzung auf einem manövrierunfähigen Schiff auf Hilfe warten muss. Spiel mir das Lied vom Tod ...
Als der Pazifist Mauricio Kagel Ende der 1970-er Jahre die „Zehn Märsche um den Sieg zu verfehlen“ komponierte, herrschte in seinem Herkunftsland Argentinien eine Militärdiktatur. Kagel hatte ein klares und kritisches Verhältnis zur Marschmusik: „Musik kann sich in den Köpfen jener wirkungsvoll einnisten, die Sprengköpfe zu verwalten haben“, sagte er. Und die Aufführung aller zehn Märsche hintereinander, meinte er, sei „ausdrücklich zu vermeiden“. FIELD spielt den zweiten Marsch, Bezeichnung: Allegro
Damit sind wir bei der „Wartocracy“. Das ist eine Wortneuschöpfung. Sie weist darauf hin, dass wir zurzeit eine noch vor kurzem unvorstellbare Normalisierung von Krieg und Militarisierung des gesellschaftlichen Diskurses erleben. Die Band geht mit dem Wort umsichtig um. Sie beleuchtet und prüft es von verschiedenen Seiten. Sie findet den Bedeutungsgehalt befremdlich, vielleicht auch bedrohlich. Was soll das? Die Band reagiert kontrapunktisch.
Und was hat es mit diesem Kontrapunkt auf sich? Eigentlich ist das ein Wort für eine sehr alte, auf strengen Regeln aufbauende Art des Komponierens, in der selbständige Stimmen sich miteinander, nacheinander, umeinander am Material abarbeiten. Wenn man die Regeln etwas lockert, wird die Sache nicht weniger komplex, aber freigeistiger. FIELD hat eine eigene Mundart in der großen Sprachwelt des Kontrapunktes entwickelt: „Vernacular Counterpoint“.